Black goes pop – transkulturelle Aneignungsprozesse im subkulturellen Milieu?

Eine kleine, alltagskulturelle, dichte Beschreibung aus Teilnehmender Beobachtung

Die so genannte „Schwarze Szene“ (Eigenbezeichnung) scheint bunter als angenommen. Schon die breite Auffächerung in mannigfaltige Untergenres des Metal und eine Historie von mehreren Jahrzenten (vgl. https://mapofmetal.com/) zeigt, wie vielfältig die Musik mit den harten Gitarren doch ist. Klare Abgrenzungen zum Rock oder Punk sind hierbei nicht immer möglich, die dynamische Wandelbarkeit der Musik ist nahezu nicht festhaltbar.

Desletzt erhaschte auch mich wieder die Liebe zu dieser Musikrichtung, dem Metal, weshalb es mich am 21.04.19 auf ein Konzert in der Essigfabrik, Köln zu einem norwegischen Künstler und Produzenten mit dem Namen Leo Moracchioli zusammen mit seinem Label ‚Frog Leap Studios‘ zog. Er selbst ist ein „Metalhead“ – das kann man schon behaupten – mit seinem langen Bart, den er fein säuberlich mit Haargummis in mehrere Teile frisiert trägt. Er hat es sich zur Aufgabe gemacht, populär kulturelle Lieder in eine Metalversion zu übersetzen, und dies mit großem Erfolg: sein YouTube-Channel hat über 3 Millionen Abonnenten, was man schon als eine „Hausnummer“ betrachten könnte. Mein privates Interesse motivierte mich dazu, dieses Konzert einfach so zur Übung aus ethnographischer Perspektive festzuhalten.

Die Sonne schien an diesem Tag erstaunlich stark, das Thermometer zeigte um die 25 C°. Manch Eine*r könnte meinen, es war zu heiß für schwarze Kleidung. Doch die lange Schlange vor der Halle war gespickt mit überwiegend schwarzen Klamotten. Die Überzahl der Anstehenden waren Männer mit langen Haaren und langen Bärten, teils gut proportioniert im Körperbau, in schwarzen Shirts mit Aufschriften, die auf bekannte Bands und Festivals hinwiesen, so z.B. „Metallica“, „Wacken“, „AC/DC“, „Devil Side“; aber auch aufgenähte Patches mit teils politischen Botschaften auf hellblauen Jeanswesten, bunt gefärbte Irokesen-Haarschnitte, Flecktarn, schwarzer Eyeliner, schwarze Nägel, Tattoos, Piercings, Chucks, Bandanas; und auch Leute, denen man vielleicht nicht ansieht, dass sie diese Sparte der Musik genießen würden – in Begriffen der schwarzen Szene war auch hier eine breite Diversität der Genre zu Gast.

In der verdunkelten Konzerthalle selbst, die bei meiner Ankunft ungefähr zur Hälfte mit Menschen gefüllt war, hat man vielleicht zehn nicht-schwarzfarbige Shirts sehen können, und nur sehr wenige weiße; aber darunter waren nicht selten, wie bspw. bei zwei jungen Frauen, diese dann mit gezeichneten Einhörnern mit bunten Schweifen verziert, und darunter standen in feiner, goldener Schrift die Worte „Death Metal“ geschrieben. Auch Kinder waren hier zu sehen, wie ich es auch von Festivals kenne, mit buntem Hörschutz auf den Ohren. Ebenso ältere Leute, u.A. auch mit weißem Hemd und schwarzer Weste, waren mit von der Partie.

Das Konzert war ausverkauft, und schon bald war die Halle voll. Anstelle einer Vorband wurde digital Musik abgespielt – abwechselnd ein „Gitarrenlied“, dann wieder ein „Radiosong“. Dabei störte sich eben niemand daran, als das Lied „Wannabe“ (1996) von den Spice Girls zu spielen begann – ganz im Gegenteil: es wurde mitgesungen und dabei mit gewippt. Manch Außenstehende*r hätte sich hier vielleicht wundern können, denn bei „großen, bärtigen, breit gebauten Männern“ würde man vielleicht Anderes erwarten – doch als Innenstehende war mir dies vollkommen selbstverständlich, da die musikalische Vielfalt des Genres an sich auch schon eine breite Toleranz fordert, und so auch „genre-fremde“ Songs z.B. auf Campingplätzen von Festivals gespielt werden – erst recht also auch bei diesem Konzert. Auch der populäre Erfolgshit „Lady Marmelade“ (2001) von Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya und Pink ließ so manch einen Menschen in der Halle mittanzen und mitsingen.

Als es Zeit für den Beginn des Konzertes wurde, suchten sich die Leute einen geeigneten Platz, an dem man das Konzert in erwünschter Manier erleben konnte. Für mich persönlich hieß das: eher hinten. Wie auf fast jedem Konzert machte ich mir in meinem Umkreis ein paar „Freunde“, man begrüßte sich, schaute sich kurz an, bemerkte, dass die*r Andere dort war. Man kennt sich dann, man freundet sich mit seinen Nachbarn ein bisschen an, man ist eben freundlich und nett. Manchmal pöbelt man ein bisschen, wenn jemand z.B. schon wieder an einer*m vorbeidrängelt, um Bier zu holen. Leider wurde in diesem Fall mein Verlangen nach einem Bierzoll nicht erfüllt, doch ein Lachen war Preis genug. Die Praxis des absichtlichen Anpöbelns ist in diesem Milieu eine weit verbreitete Umgangsart, bei der mit einem Gegenüber in unverschämter, vielleicht beleidigener Art und Weise im sozialen Kontext interagiert wird. Dies dient einem humoristischen Austausch. Nach wenigen ironischen, sarkastischen oder gemeinen sprachlich-kulturellen Repräsentationen, die auch als einfache „Grunzlaute“ geäußert werden können, fallen anwesende Parteien oft ins Gelächter ein, womit die Praxis des Anpöbelns endet. Diese Praxis erfordert nicht unbedingt Körperkontakt, worin sie sich grundlegend dichotom von der Praxis des unabsichtlichen Anrempelns unterscheidet. Im Falle des Anrempelns bezieht sich der sprachliche Austausch in diesem Milieu auf eine Entschuldigung, die aufgrund des Anrempelns getätigt wird. Interessanterweise pflegt man in dieser Subkultur, besonders auf Konzerten, nicht selten eine höfliche Umgangsform – wie ironisch eigentlich, wenn man beachtet, wie weit verbreitet das Anpöbeln ist, und dass der „Pogo“ (ein unstrukturiertes, chaotisches, wildes aneinander Anspringen, Rempeln und Schubsen in einer Ansammlung von Menschen, die diese Praxis alle gleichzeitig tätigen; Fairness und Sicherheit gehen dabei vor, wie ein Mitgänger erläuterte: „Zu Boden Gegangenen wird aufgeholfen und es wird Niemand mit hinein gezogen, der nicht daran teilhaben will“) in einem „Moshpit“ (der Raum, oft direkt vor der Bühne, in dem eine Ansammlung an Menschen u.A. die Praxis des „Pogo“ durchführen; abgewandelt: die „Tanzfläche“) dort eine Art ritualisierten „Volkstanz“ in einem bestimmten, abgesteckten Rahmen darstellt und von einer gewissen regulierten Brutalität begleitet wird.

Das Konzert selbst begann mit einer Coverversion des Liedes „Everybody (Backstreet’s Back)“ von 1997, zu seiner Zeit von den Backstreet Boys veröffentlicht. Die Saiten von Gitarre und Bass ließen den Raum erzittern, das Schlagzeug gab der Sphäre tiefe Wogen, der Sänger trieb mit gutturalem „Growling“ (eine Art des rauen Kehlgesangs, bei der die Stimme in eine Art Knurren oder Raunzen abgewandelt wird) die Energie voran. Die Halle begann alsbald zu brennen, die Energie verlangte nach „Headbanging“ (eine Körperpraxis, bei der der Kopf üblicherweise zum Takt der Musik vor- und zurück geworfen wird; nicht selten wird diese Praxis mit geöffneten Haaren vollzogen), die Hitze trieb schnell den Schweiß in die Gesichter, ließ kaum Luft zum Atmen zurück, ein maskulines Odeur erfüllte bald den Raum, Nebel und Blitzgewitter verzerrten die Sicht.

Die Zusammensetzung des Ensembles an Künstlern war aus diversen YouTube-Persönlichkeiten zusammengestellt, die offenkundig multiinstrumental talentiert sind: Schlagzeuger (schwarzes Shirt, lange schwarze Haare) und Leadgitarrist (weites, langes, dunkles Shirt, voluminöse Afrofrisur) tauschten bei manchen Songs einfach mal die Plätze; der Sänger performte mal mit, mal ohne Gitarre. Zwischendurch kam eine Sängerin auf die Bühne, oder auch mal ein Mensch in einem weißen Hasenkostüm. Dieser Hase freute sich zwischendurch über ein wenig „Crowdsurfing“ (eine Praxis, bei der entweder zuerst ein Mensch von der Bühne auf das Publikum springt, oder zuerst ein Mensch aus der Menge hoch gehoben wird, um dann auf dem Bauch oder Rücken liegend von den Menschen der Menge auf den Händen über diese getragen zu werden), sprang von der Bühne und wurde freudig einmal durch die Halle geleitet, bis er wieder an der Bühne ankam und dort wieder abgesetzt wurde. Im vorderen Bereich kam oft ein „Moshpit“ auf, mal ein „Circle of Death“ (eine Art formierter „Moshpit“, in dem alle Beteiligten zumeist in gleicher Richtung in einem Kreis laufen, wobei die Mitte oft leer bleibt und die Praxis des „Pogo“ weiter getätigt wird). Viele Menschen und viele lange Haare wirbelten durcheinander. Bei manchen Stücken spielten hinter breiten Bannern links und rechts auf der Bühne zwei Handpuppen mit, kamen gar auch nicht umhin, ins „Headbanging“ zu verfallen. Am Ende der Songs wurde massiv applaudiert, gepfiffen und einige solidarisierende „Teufelshörner“, oder auch „Pommesgabel“ genannt, (Zeige- und kleiner Finger ausgestreckt, die anderen Finger bilden eine Faust, vgl. mano cornuta) in die Höhe und der Bühne entgegen gehalten: Kulturelle Symboliken des Habitus, soziale Praktiken des Milieus, verbindende Einheit in musikalischem Geschmack und Identität.

Auch Songs wie „Genie in a bottle“ (1999) von Christina Aguilera, „Africa“ (1982) von Toto, „Baby one more time“ (1999) von Britney Spears, oder auch „Zombie“ (1994) von den Cranberries wurden ihn ihrer „härteren“ Interpretation gespielt. Auch ich spürte, wie die Musik jede Faser meines Körpers ergriff, öffnete meinen Dutt und ließ meine Haare ein wenig tänzeln. Gebündelte Energie, zitternde Glieder, geballte Kraft, extreme Explosion. Befreiung, Reinigung, Erleichterung: Katharsis.

Zum Schluss wurde das Cover des Liedes „Hello“ (2015) von Adele gespielt – das Video des Labels auf YouTube mit den meisten Aufrufen: mit über 52 Millionen Klicks ist diese Interpretation die am meisten Besehene. „Hello from the other side“, grölte das Publikum, „I must have called a thousand times“. Man spürte die Leidenschaft, in der mitgesungen wurde, die Atmosphäre spannte sich in einer empathischen Sehnsucht auf, verbindende Praxis, gemeinsames Leiden, synenergetische Power. Mir schien, als würden sich hier einige fallen lassen können und verstanden fühlen. Das gemeinsame Singen, gar Grölen, als emotional transportierendes Element eines Zugehörigkeitsgefühls.

Doch es bleibt die Frage: Was macht das Populärkulturelle da? Wie kommt es, dass solche Songs in gitarrenartiger Manier interpretiert und gecovert werden? Welche Bedeutung trägt der musikalisch transkulturelle Prozess für Individuen, die sich im Alltag in einem solchen Habitus beheimaten?

Ist es eine Form an „Normalisierungssehnsucht“, mit der das Populäre in das Subkulturelle einverleibt wird, und so das alltäglich Bekannte im subkulturellen Milieu neu gedeutet wird? Will das Genre so eine breitere Masse ansprechen, in dem es sich selbst öffnet und andere musikalische Formen inkorporiert, und es so zugänglich gemacht wird? Was genau drückt dieser transkulturelle Aneignungsprozess aus?

„Es ist halt einfach lustig“ sagte ein Mitgänger, als ich ihn danach fragte. Doch was genau macht den Spaß hierin aus? Ist es die Absurdität, etwas „von Allen Bekanntes“ in eine Formierung an Musik zu übertragen, die es eigentlich typischerweise nicht spielt, um so das Momentum an Humor zu generieren? Ist es ein reflektierendes „eigentlich sind wir nicht ‚normal‘, und das ‚Normale‘ ist aus unserer Perspektive absurd“? Was sagt Musik in diesem Kontext über Normativität aus? Bedeutet es ein „das ist das ‚Normale‘ für uns“? Oder ein „wir kennen auch das ‚Normale‘“? Der Erfolg des Labels und die Bekanntheit des Künstler(kollektiv)s spricht für sich – doch wieso empfindet das Publikum welche Bedeutung dabei? Was macht es „halt einfach lustig“? Meine Beobachtungen konnten noch keine eindeutigen Ergebnisse liefern, was erfordert, dass ich mich noch oft ins Feld begeben muss.

Fotonachweis: https://pixabay.com/photos/rock-metal-concert-gesture-finger-2823831/ [Stand 08.07.2019].